«…Душечка, мы здесь теперь только бедствуем. Не представляем себя, стремимся стать сложными, трехмерными, содержать много уровней или иметь двойное дно. Мне не понять тебя, даже если мы одной стихии, структуры, формы. Ты самолет из бумаги, я самолет из бумаги, наши крылья соприкасаются, дальше изгиб, бумажная гармошка, как можно прочесть меж изгибов, душечка…»

В Питерском издательстве «Астрель» выходит первая и пока единственная книга из серии «Новая женская проза». Книга называется «Хорошая жизнь». Автор книги Маргарита Олари.

В книге переплетено несколько сюжетных линий (Семья – теплые и холодные как будто черно-белые картинки, Монастырь – другой мир, убежище, Кишинев – душный город, Любовь) сходящихся, сводящих цепь событий к настоящему, к трагическому рубежу вечного поиска, поиска которого не минует никто: «Среди невозможной красоты этого мира, как-то раз и навсегда научиться любить так, чтобы этого не отменить».

Тридцать четыре главы. Главы легкие и главы тяжелые как свинец. Каждая глава – яркая новелла, настроение. Как фрагменты мозаики, доставаемые в любом порядке, главы складываются в единую картину – «Вот полная история моя, а может неполная ваша». Наивысшие точки эмоционального тона – молитва (глава «Море»), глава «Почтовый голубь».

«…Есть жизнь, и жизнь не то, что мы за нее принимаем. Есть любовь, и она не то, что мы за нее принимаем. И есть смерть, и смерть не то, что мы за нее принимаем. Мы тоже совсем другие, мы не те, какими себе кажемся. Мы не те, какими себя знаем. Мы даже не те, какими когда-нибудь станем…»

Рукопись – среди финалистов премии «Рукопись года».

Ссылку на эту статью прислала нам Ольга Катаева – петербургский художник,
принявшая участие в нашей выставке для хосписа №1 «Лахта».

Вы были в Третьяковке на юбилейной выставке Ивана Ивановича Шишкина? Если да, то вглядывались ли в лица выходивших посетителей? Как давно мы не видели этого смешанного с удивлением выражения восхищения, когда тысячи людей заново открывали для себя художника, которого, казалось бы, знали с детства. Когда они стояли перед его полотнами, потрясенные мощью и величием создавшего их гения. Но вот что интересно: в рассказах о выставке присутствовали не только эстетические чувства, но и нечто другое. Многие говорили не только о переполнявшем их восторге, но и об ушедших тревогах, головных болях, подавленном состоянии. Что это – феномен Шишкина или все-таки закономерность?

"Дубки", Иван Шишкин

Как часто, проходя по выставке или музейным залам, мы замечаем, что меняется наше настроение. А если внимательнее присмотреться к окружающим, то становится понятно, что мы – не исключение, что произведения живописи, особенно шедевры, способны влиять на настроения значительных масс людей. Многие знают о чудесах исцеления, происходящих от созерцания чудотворных икон. Несомненно, вера творит великие чудеса, но только ли иконы могут воздействовать благотворно? Нет, не только. И это доказывает опыт такого направления как арт-терапия – достижение гармонизации различных психических состояний человека, опираясь на достижения мирового искусства. Этот метод давно используется в западной медицине и получает всё большее распространение в России.

Арт-терапия – это не новомодное изобретение (не путать с хромотерапией – популярным сейчас лечением окрашенным светом). Впервые термин «арт-терапия» стал использовать английский врач и художник Адриан Хилл, который, работая с больными в госпиталях Великобритании, заметил, что занятия творчеством отвлекают его пациентов от тяжелых переживаний и помогают справляться с болезнью.

Давно известно, что живопись, как и другие виды искусства, является мощным средством сближения людей. Колорит, композиция, сюжет картины и связанные с ним ассоциации – всё это несет хотя и неявный, но большой объем информации. В процессе общения зрителя с картиной возникают сложные отношения между художником, картиной и зрителем. Такие отношения давно известны в психологии как феномен сотворчества, когда картина как внешняя модель влияет на состояние сознания зрителя, ведущего и диалог с художником, и внутренний диалог. Очевидно, что в самой природе искусства заключена огромная сила, в том числе, как отражение всеобщей гармонии мира, целительная.

В традиционной китайской цигун-терапии есть метод, который китайский врач Шэнь Цзянь назвал «цигун любования живописью», или «терапией любования живописью». Он издревле базируется на известных методиках с использованием таких средств, как произведения живописи и каллиграфии. Средневековая литература Китая приводит немало примеров того, как созерцание полотен мастеров живописи приносило явное облегчение больным, казавшимся безнадежными. Этот метод используется китайской медициной и сегодня. Китайские медики говорят: «Помимо того, что произведения живописи и каллиграфии просто украшают пустые стены, они также создают особую атмосферу, доставляют людям эстетическое удовольствие, служат средством развития интеллекта и воспитания характера, выработки дружелюбного отношения к окружающим». Шэнь Цзянь описывает несколько ярких случаев из врачебной практики, когда больные так увлекались созерцанием картин, что, забыв обо всем, приходили в состояние радостного переживания, в результате чего происходили нормализация кровообращения, усиление защитных функций организма, что и приводило, в конечном итоге, к выздоровлению. Великий Авиценна в своем знаменитом труде «Канон врачебной науки» также описывал зависимость между цветом, человеческим темпераментом и здоровьем человека. Шедевры средневековой мусульманской архитектуры свидетельствуют о том, как много внимания уделялось строителями цветовому и композиционному решению внешнего вида зданий и их интерьеров.

Давно замечено, что наибольшее воздействие произведения изобразительного искусства оказывают на людей, обладающих достаточным уровнем общей культуры и определенным опытом художественного восприятия. Начиная с середины XIX века европейские врачи, вслед за врачами Востока, стали выступать за применение созерцания шедевров живописи как одного из лечебных, и достаточно результативных, методов. Сегодня арт-терапия – эффективный инструмент в психотерапии и психиатрии. Так в одной из крупных больниц Лондона провели интересный эксперимент. Не только коридоры и холлы, но и больничные палаты клиники украсили разными по жанру и стилю картинами. Несколько лет спустя среди пациентов провели опрос, и обнаружилось, что 80% из них считают, что живопись улучшала их настроение и отвлекала от проблем со здоровьем. В другой клинике Англии попытались выяснить как влияют шедевры живописи на пациентов отделения онкологии. Больных, после предварительных тестов, разделили на три группы, одна из которых слушала музыку, вторую окружали картины, а третья проходила обычный курс лечения. Проведя обследование, врачи отметили значительное улучшение психологического состояния у больных, слушавших музыку и смотревших на полотна художников. В I группе чувство подавленности и страха уменьшилась на 32%, во II группе – на 18%. Но у тех пациентов, которые принимали лишь лекарства, настроение осталось прежним. Не менее интересны результаты, полученные в Австралии, в Королевском госпитале Аделаиды. Дэвид Эванс провел ряд экспериментов, применив терапию искусством, и оказалось, что больным, получавшим лечебные «дозы» музыки или живописи, стало требоваться обезболивающих препаратов меньше, чем прежде. К тому же у них заметно снижалось кровяное давление.

"Указ учителя", Николай Рерих

Всё шире этот метод применяют и в России. В течение нескольких лет к лечению живописью прибегают врачи в психоневрологическом диспансере Новочеркасска, наблюдая выраженный лечебный эффект. По их словам, многие полотна, особенно пейзажи, на которых преобладают голубой, зеленый цвета и мягкий солнечный свет, снимают у больных нервное возбуждение и помогают преодолевать состояние депрессии.

Интересны результаты исследований Леонардо Олазабаля (Бильбао, Испания), которые легли в основу его лечебных методик, о чем он не раз докладывал на научных конференциях. Он считает главным делом своей жизни исследование физики микровибраций в живописи Н.К. Рериха и его сына С.Н. Рериха. Леонардо Олазабаль использовал разные произведения живописи, в первую очередь, горные пейзажи. О горных пейзажах Николая Рериха написано много. Но для Олазабаля живописные произведения Рерихов стали предметом естественнонаучного исследования. Отталкиваясь от слов Н.К. Рериха: «Дайте искусство народу. Украсьте не только музеи, театры, школы, библиотеки, здания станций, и больниц, но и тюрьмы», ученый взглянул на эти полотна с точки зрения арт-терапии.

Исходя из многолетнего опыта, он фиксирует конкретный лечебный эффект, связанный с созерцанием полотен: «Теперь давайте возьмем для примера картины Николая и Святослава Рерихов. Можем взять картины, на которых изображены просто закаты и рассветы, с холмами и горами. Проведем радиэстезический тест и увидим, что эти картины излучают высочайшие вибрации до 10 000 микрон». При этом исследователь отмечает, что лечебный эффект наблюдается не только при созерцании подлинников, но и тогда, когда используются репродукции, которые гораздо доступнее. И дело не только в цене. Ведь репродукции могут находиться рядом с человеком очень длительное время, чего невозможно достичь с музейными полотнами. В практике арт-терапии в Испании Олазабаль применил репродукции картин Н.К. Рериха, остановив выбор на тех, что выпущены Издательским домом «Агни» (Россия, Самара): «Необходимо добавить, что когда мы смотрим на ту же картину, но в форме репродукции, уровень вибраций немного понижается, но мы продолжаем получать большую дозу жизненной энергии, пока смотрим на нее. Это означает, что картины Николая и Святослава Рерихов, пусть и в форме репродукций, следует вывешивать в яслях для детей, а также в школах и в местах, где проводится лечение, например, в поликлиниках, больницах, в домах холистического лечения, и даже в тюрьмах – на благо всех». Оценивая результаты, полученные за несколько лет, ученый делает вывод: «Таким образом, живопись Николая Рериха оказывает терапевтическое воздействие, даже когда мы просто смотрим на его картины; это своеобразный залог доверия, который порождает внутренний зов, наполняя разум наблюдателя чем-то немыслимым, невыразимым посредством слов и невообразимым».

В России арт-терапия находит всё большее применение в музейной педагогике. Так, Государственный Русский музей, опираясь на британский опыт, успешно готовит специалистов для работы в образовательных центрах музеев, школах, клиниках и центрах психологической помощи. В последнее время всё чаще мелькают сообщения о выставках живописи, организованных в клиниках. Не требуя больших финансовых затрат, поскольку используются высококачественные репродукции, они, при правильной организации, оказывают положительное влияние на психологическое состояние пациентов.

Сегодня арт-терапия – это пластичное, активно развивающееся направление, которое постоянно расширяет сферу своего применения. Методы арт-терапии связывают воедино интеллект человека и его чувства, потребность в самоанализе и жажду действия, мир телесный и мир духовный. Многообразны возможности её применения в образовании и внешкольной работе с детьми и подростками. Такие занятия – одна из инновационных и весьма перспективных форм работы.

Творческие люди обладают особым даром: создавая произведение искусства, они отстраняются от пережитого, переосмысливая его, чтобы потом передать на полотне свои чувства очищенными от мелочей. Вызванные ими переживания не только волнуют нашу душу, но и излечивают её. Недаром Рабиндранат Тагор писал Н.К. Рериху: «Ваши картины глубоко захватили меня. Они заставили меня осознать то, что является, конечно, очевидным, но всё же должно быть снова и снова открываемо нами в самих себе – что Истина беспредельна».

Источник: Издательский дом «Агни»

РАИЛЬ КУНАФИН

Фото с официального сайта Михаила Казиника www.kazinik.ru

Вот уже больше года в эфир радиостанции классической музыки «Орфей» и на сцену студии РГМЦ выходит Михаил Казиник с беседами о музыке. Наверное, последние слова кому-то напомнят пыльное, зевотное слово «лекция». «Да мало ли у нас бесед о музыке!». Ну, во-первых, действительно мало, а во-вторых, подобных «лекций» нет более нигде. Они – уникальны. М. Казиник рассказывает не только о музыке, но, скорее – о нас самих, о нашей жизни и её предназначении. Вынуждая порой краснеть за леность души, но прежде всего – возвышая души наши до состояния Духа, и его высшей ипостаси – творца. Кажется, основная цель Казиника как раз в этом и состоит: не столько сообщить какие-то сведения о произведениях, сколько пробудить нас ото сна и показать, что мы, люди, достойны лучшей участи.

«Моя цель – говорит Казиник – сделать всё возможное, чтобы человек испытал огромную ВНУТРЕННЮЮ ПОТРЕБНОСТЬ, почувствовал невозможность полноценной жизни без глубокого и постоянного общения с искусством. Что называется, заболел искусством. Не соглашайтесь со мной, ругайте, спорьте – только не спите. НЕ ПРОСПИТЕ ВЕЧНОСТЬ!»

Слово «Вечность» окрашена у Казиника в особые тона. Одна из его главных мыслей: человек – дитя Космоса. Мы – не просто существа, наделённые речью, мыслями, воспоминаниями, но и вместилища вселенского духа. Искусство и его высшее проявление – музыка – ниспосланы нам свыше. Космосом, или Богом – выбирайте любое слово. И это очень похоже на правду, интуитивно я всегда это знал – как знает, наверное, любой, к музыке хоть краем сопричастный. Но в начале этого года данный «идеалистический» тезис получил совершенно материальное подтверждение! Израильские биологи обнаружили в человеческом мозге удивительные нейроны, предназначенные для восприятия музыки – и более, видимо, ни для чего. Ни животным, ни «человеку обыденному» они не нужны. Они не нужны, чтобы просто «выживать»: добывать пищу, есть, спать, «заниматься любовью», ходить на работу, изучать природу, строить и воевать. Но они необходимы, чтобы «чувствовать силу гармонии», по словам Пушкина. Дело, сами понимаете, не в том, верна или нет «теория Космоса»; это ведь не научная, а духовная, «психологическая» теория. Но бесконечно важно, что без этого осознания Высшего в нас мы, человечество – ничто.

И в самом деле – зачем мы? Что может оправдать наше существование? В давней юности, в эпоху «глобальных вопросов», представилась мне такая картина. Человечество, в своей неуёмной тяге к самоистреблению, добилось-таки своей цели. И вот нашу мёртвую планету находят «братья по разуму» – что они увидят? Вряд ли их заинтересуют наши машины для строительства и уничтожения – их собственные будут куда совершеннее. Но они увидят античные храмы и готические соборы, великие картины и беломраморные скульптуры, книги, ноты и записи. И скажут: «Да, это была Великая цивилизация». И, может быть, сохранят нашу память, наши вершины Духа. Да, только искусство и оправдывает существование человечества. Это может показаться преувеличением, нам, твёрдо «знающим», что у жизни нет смысла. Но спросите о смысле у любого хорошего деятеля искусства, и получите ответ: «Цель (или смысл) моей жизни – писать музыку (сочинять стихи или романы, играть на сцене)».

Фото с официального сайта Михаила Казиника www.kazinik.ru

Как же с позиций «космической парадигмы» М. Казиник изъясняет нам музыку? Все мы знаем, что И. С. Бах – великий композитор. Но почему не просто красивый, чудесный, замечательный, а именно – Великий? Позднейшие музыковеды разыскали в музыке Баха (даже в нотной графике) множество мотивов-символов, отображающих важнейшие образы Писания, переплетённые в сложнейшие взаимоотношения. Поэтому Бах – не только великий музыкант, но и великий богослов; недаром его иногда называют пятым апостолом Христа. Но Казиник показывает, что в этой музыке в сжатой форме содержится и всё знание о мире (даже теория относительности!). Вот самое начало знаменитой органной Токкаты ре минор: три ноты, соединённые в единый призыв – символ Троицы. Три фразы: одна в верхнем диапазоне, следующая точно посередине клавиатуры, и третья внизу – точное отражение первой. Вот он, идеальный символ изначального творящего Логоса. Дух, душа и тело. Три ступени нисходящего свыше акта Творения. Небо, земля и ад. И там, в аду, рождается картина Хаоса, противостоящего порядку сотворения: мощный, невыносимо диссонирующий аккорд, разрешающийся в торжествующем мажоре. Ибо светлый Логос побеждает. Разве это не цельная картина мироздания? Три стихии: воздух, вода, земля… Разве не видится в этом наша грешная Земля, держащаяся единственно «нравственным законом в нас», кантовское же «звёздное небо над нами», и – дальний Космос?.. И всё это – только зерно, из которого вырастает грандиозное Мировое древо фуги.

А как М. Казиник рассказывает о музыкальных формах! Симфония, концерт, сонатная форма, фуга – все эти скучные названия он расшифровывает «на пальцах», на столь доступных примерах, что эти понятия становятся ясными даже ребёнку. И мы понимаем, что в каждом произведении – не отвлечённая игра звуков. Нет, здесь кипят наши подлинные страсти, наша реальная жизнь со всеми её проблемами, и рассказчик показывает, как музыка выводит нас из этой тьмы проблем – к ослепительному свету. Цитата: «Ибо фуга – один из самых прекрасных подарков Вечности нам, бренным… Ибо фуга – это действительно море, звёзды, вина, пальмы… Это – пир мысли».

Хороший рассказчик – не тот, кто может лишь позабавить публику занятными историями; но он должен видеть сущность вещей, и уметь поведать эту суть остальным. «Ну ладно, – скажет кто-то, – всё это, возможно, и любопытно для каких-нибудь музыковедов, но зачем это нам, «простым» людям? Да в том-то и дело, что нам, обычному «народонаселению», высокое искусство ещё нужнее, чем тем, кто уже причастился его тайн. Даже просто присутствуя в мире и не касаясь нас непосредственно, оно неявно задаёт нам высший идеал. Разве не видит каждый, сколь быстро мы оскотиниваемся, как только забываем о том, что есть и другая, высшая жизнь? Как только отказываемся от своих идеалов, которые непременно посещали каждого в юности?

А «простых» людей, по Казинику, нет вообще. Каждый по-своему талантлив, но, чаще всего – растерял, забыл, не реализовал своё высшее предназначение. Одна из его любимых максим – каждый человек родится гениальным. «Я глубоко убеждён, что человеческий детёныш входит в наш мир гением. Гениальность присуща человеку изначально». Здесь мысль Казиника полностью совпадает с моими ощущениями. Возясь с малолетними родственниками, я заметил, что глаза ребёнка, с самых первых его дней, никогда не бывают бессмысленными. (У животных, даже самых умных и любимых, никогда не бывает таких взоров). Напротив, мне совершенно явственно казалось, что в них сосредоточено всё интуитивное знание о мире – младенцы лишь не в силах осознать его, не владея языком. И тот безвестный художник, который первым изобразил на иконе младенца Христа со взором мудреца, провидящего прошлое, настоящее и будущее, бесспорно, был гением.

Фото из архива РГМЦ "Орфей"

А дальше… Дальше включаемся мы, любящие родители, дабы приложить все усилия по превращению потенциального гения в нормального, «среднестатистического» человека, рядового «достойного члена общества». Любая оригинальность (возможно, зачаток таланта) рассматривается как патология и пресекается. Нет, нам надо, чтобы наши дети были «не хуже других», фактически – как другие. Мы не покупаем ему развивающих игрушек – но стараемся купить что-нибудь подороже, во что играть невозможно: монстра на батарейках и с микропроцессором, умеющего дёргаться и разговаривать с китайским акцентом. Мы подсовываем детям идиотские комиксы с уродами и бандитами, сажаем их к ядовитому телевизору (чтобы не мешали!), отделываемся фразами «не путайся под ногами» и «поди поиграй» вместо серьезного взрослого разговора без сюсюканья. Вместо того, чтобы вместе построить из конструктора вавилонскую башню, почитать хорошую книжку, да просто пойти погулять. У вас рядом нет «природы»? Не беда: подойдите к одному лишь деревцу и попытайтесь вместе рассмотреть в деталях. Или попробуйте посчитать, сколько разных трав растёт на «диком» газоне – уверяю, Вы сами по-детски удивитесь.

А какой «музон» постоянно фонит из хриплых динамиков! Не поймите неверно: ни один ценитель истинной музыки ничего не имеет против хорошей эстрады, но даже сами «поклонники лёгкого жанра» признают, что 99,9% поточного «музпродукта» – пошлейшая попса или тупой электронный «чёс» – эдакая музыка для ног. Не забывайте, – напоминает Казиник, – как телу для роста необходима качественная еда, так и мозг должен для своего полноценного развития получать полноценную пищу. А мы сами питаемся, да и детей кормим однообразной тухлятиной.

Да, «нормальный» человек у нас обычно получается, а с «достойным» почти всегда возникают проблемы. Почему? Михаил Казиник выпустил диск, где собрал такие произведения, которые, как он считает, полезно слушать будущим мамам и ребёнку: сначала – в животике, потом – в первые дни. Он уверяет, что под знакомую музыку ребёнку не только легче адаптироваться к миру, но и выбраться на свет. Вроде бы всё это похоже на типичную лженауку. Но давно, ещё до знакомства с Казиником, я проделал над своим собственным сыном такой же «жестокий эксперимент». Выделил будущей маме хороший приёмник, настроенный на волну «Орфея», и под ту же классическую музыку рос наш малыш. (А ещё мы выбросили к чёртовой матери телевизор). Сын не стал деятелем искусства – у него проявились другие интересы. Но он вырос достойным и добрым человеком, чуждым насилию и безвкусице. Он читает только хорошие книги, смотрит только хорошие фильмы, слушает только хорошую музыку. Немного сочиняет сам, на компьютере. Создаёт отличную компьютерную графику, обнаруживая порою удивительный вкус, который, клянусь, я ему специально не «прививал» (говорю об этом не как отец, а как профессиональный художник). Но, может быть, самый показательный факт – стремление к взаимопониманию. Даже бурный и трагичный период переходного возраста прошёл без «проблемы поколений», без обычного бунта против старших. Конечно, один-единственный пример не делает статистики, но всё же я благодарен Баху, Моцарту, Шуберту за их помощь. М. Казиник называет это прививкой от пошлости.

Фото из архива РГМЦ "Орфей"

Такая «прививка» – совсем не пустяк. Казиник настаивает (и я с ним согласен), что это имеет общенациональное значение. И блестяще показывает это на примере «Времён года» П.И. Чайковского. Отношения с этим циклом лично у меня складывались не лучшим образом. Когда-то эти пьесы постоянно звучали по радио и телевидению, их постоянно использовали как фон для речевого и видеоряда, даже «подкладывали» под разного рода мероприятия. Этот цикл – как говорится, «заигранное» произведение. И сделать такое «общенародное достояние» своим, глубоко личным – далеко не просто. Есть, правда, прекрасные пианисты, «специалисты» по Чайковскому (Плетнёв, Шелудяков), сумевшие снять патину и паутину с этих якобы «салонных» пьес. Но настоящее перерождение в моём восприятии сумел совершить лишь Михаил Казиник, вкупе со своим бессменным партнёром, замечательным пианистом Алексеем Ботвиновым.

«Лекция» начинается издалека. Как известно, «Времена года» были созданы по заказу, специально «для домашнего музицирования». Именно такое музицирование и являлось неотъемлемой частью общего культурного образования в эпоху отсутствия магнитофонов и компакт-дисков. И «лектор» с пианистом демонстрируют нам характерный пример такой музлитературы «для дома, для семьи», отдающей нестерпимой пошлостью. Конечно, Россия убереглась от общей безвкусицы, поскольку в домашний репертуар входили и несложные пьесы признанных классиков, но всё же основу «домашней самодеятельности» составляли сборники подобных бездарных поделок, выходивших регулярно и огромными тиражами. (Кстати, по тиражам можно примерно судить о том, сколько же семей были охвачены музыкой «при проклятом царизме»: не только дворяне, но и мещане, чиновники, купечество, и даже часть богатого крестьянства – те, кого потом обозвали «кулаками»). И Чайковский совершает настоящую революцию, создавая образец высокого искусства в этом «низком жанре». Как знать, не эта ли «прививка от пошлости» обусловила невиданный российский всплеск во всех областях деятельности, вплоть до семнадцатого года? М. Казиник убеждён, что это так, и с ним трудно не согласиться. Развитое и культурное общество можно построить только из развитых, культурных людей.

А дальше начинается подробный (более трёх часов!) разбор каждой пьесы – фактически глубокое проникновение в образный строй цикла, в тесной связи со стихами русских классиков, предпосланных как эпиграфы к пьесам. И обнаруживается удивительное родство музыкальных фраз, тем, мотивов со всем, что создано (и будет создано!) музыкальной культурой. К примеру, первая пьеса «Январь» (со стихами Пушкина) содержит явственные намёки и на Первый фортепьянный концерт, и на Шестую симфонию, и, наконец, на самую «пушкинскую» оперу «Евгений Онегин». Здесь я невольно вспомнил слова престарелого Фаворского, который всю жизнь искал точную заглавную иллюстрацию к роману, и только теперь понял: дух шедевра Пушкина лучшим образом выразит тихий зимний пейзаж. Такой же, что создан Чайковским.

Но по мере углубления в цикл всплывают параллели с творениями целого созвездия имён и произведений: от старинных петровских кантов до Стравинского – весь огромный пласт европейской музыки в сжатом виде «зашифрован» в этих двенадцати пьесах. Внешне таких бесхитростных, знакомых с детства. Излишне перечислять здесь все оттенки эмоций и смыслов этого музыкального текста: смыслов иногда неожиданных, даже парадоксальных, но удивительно точных. Это просто нужно услышать. И «раскрыть» для себя этот удивительный текст. А это верный путь раскрыть себя.

Фото из архива РГМЦ "Орфей"

М. Казиник раскрывает нас самым разнообразным арсеналом средств. Нет, внешние «атрибуты» просты: друг-пианист А. Ботвинов, иногда автор сам берёт в руки скрипку, но не пользуется записями и редко приглашает кого-либо в помощь. Да и говорит он чрезвычайно просто, без всяких «измов», «семиотики» и «семантики». Но он привлекает в поддержку всю мировую культуру, от философии до литературы: Данте, Шекспир, Гёте, Пушкин, Гоголь, Достоевский, Блок, Пастернак, Ахматова, Т. Манн, Гессе… – несть им числа. (Причём и здесь обнаруживает такую глубину вскрытия смыслов, что любой филолог позавидует). А вы читаете хорошие книги? Наших лучших современников? (Намеренно не перечисляю, чтобы никого не забыть и не обидеть). Обращаетесь ли к классике? Когда вы последний раз перечитывали «Фауста»? (На днях мы с женой перечитали «Войну и мир», и я жалею, что не сделал этого прежде). Мешает суета? Или наша собственная суетность и леность?

Суета… Помните слова Соломона? – «Суета сует и томление духа». Это гениальная, убийственно точная фраза. Отчего томится дух в суете? Чего он взыскует? Откуда на нас временами накатывает беспричинное раздражение на всё и вся? Что топят люди в алкоголе? Отчего бунтуют юные неформалы?.. Нет-нет, я не имею в виду бессмысленного бунта из хулиганских побуждений, но откуда это чувство внутреннего неудобства, неудовольствия от жизни? А ведь поэт давным-давно ответил на эти вопросы: «Душа грустит о небесах». Наш дух грустит о своём высшем предназначении – жить жизнью Духа.

Именно по пути к такой жизни и ведёт нас Михаил Казиник. Обязательно побывайте на его выступлениях, и возьмите с собой детей. Возможно, они не сразу проникнутся красотой и величием Большой музыки, но наверняка сделают важный шаг – к тому, чтобы стать достойными людьми.

Источник: http://www.muzcentrum.ru

30 июля в Санкт-Петербургском хосписе № 1 открылась выставка картин. Около 70 работ питерских и московских художников стали для пациентов, их родственников и врачей окнами в прекрасный и светлый мир в длинных коридорах больницы.

Открыла выставку руководитель арт-группы «Цветные Люди» и куратор благотворительного арт- терапевтического проекта «Арт-Лахта» Стася Дёмина, рассказав о том, как и почему он возник. Затем о сути арт-терапии вообще и применительно к хосписным больным рассказал вдохновитель этого проекта Андрей Гнездилов, основатель хосписа и его бессменный психотерапевт вот уже 20 лет. Несколько слов о том, что «новое всегда несет с собой надежду» сказал Глава администрации Приморского района Андрей Кутепов, после чего раздался протяжный звук «музыки ветра», который символически соединил звук и цвет, открыв экспозицию.

Стася Дёмина провела участников, гостей и прессу по выставке, давая краткие комментарии работам. Завершилась экскурсия в зимнем саду хосписа, где тоже воцарилось искусство – работы Алексея Молдавского и Эдуарда Галкина.

Организаторы благодарят всех, кто совершил частные пожертвования, а также генерального директора компании «Dio Art Consulting» Кристину Тер-Казарян и режиссера Марину Цурцумия за отзывчивость и поддержку проекта.

На открытии выставки в хосписе - куратор проекта Стася Дёмина, Глава администрации Приморского р-на СПб Андрей Кутепов, зам. Главы Людмила Боричева, психотерапевт, основатель хосписа, почетный доктор Эссекского университета Андрей Владимирович Гнездилов (справа в глубине)

В выставке приняли участие работы московских художников Марины Усачевой, Карена Степанянца, Эдуарда Галкина, Константина Малахова, Ксении Жариковой и петебуржцев – Алексея Молдавского, Светы Ивановой, Елены Потякиной, Ольги Катаевой и Алины Зозули. Экспозиция провисит до конца января 2011 года.

Пресс-релиз открытия выставки «Арт-Лахта» здесь. Фотографии работ с выставки, а также другие фотографии с открытия появятся позже. Следите за новостями на нашем сайте.

Реакцию масс-медиа читайте, смотрите и слушайте по ссылкам ниже.

Репортаж на «Радио России» о выставке живописи в петербургском хосписе «Лахта» журналиста Марии Голик.
Слушать | Art-Lahta-radio Rossii

Статья в газете «Санкт-Петербургские ведомости» журналиста Людмилы Бурим.
Читать | «Инъекция искусства» (выпуск  № 143 от  04.08.2010)

Смотреть | Новость телеканала «НТВ Петербург» о благотворительном проекте «Арт-Лахта».

В России товары с истекающим сроком годности пытаются впарить покупателю либо отправляют прямиком на помойку. В Новой Зеландии продукты с заканчивающимся временем хранения выставляют в специальном магазине бесплатно – для тех, кто в них действительно нуждается. Эта статья о том, как здравый смысл победил жлобство в отдельно взятой стране.

«Бесплатный супермаркет», «Ням-Ням» и так далее – многие читатели не раз и не два замечали подобный «креатив», нанесенный от руки на бока мусорных баков. На самом деле, авторы надписей даже не подозревают, насколько близки они к истине. Содержимое контейнеров (особенно тех, что стоят рядом с супермаркетами) по богатству ассортимента даст фору маленьким магазинчикам. Их наполняют продукты с истекшим сроком годности.

На краю света, в Новой Зеландии, к вопросу утилизации еды с истекающим сроком годности решили отнестись куда как более гуманно. В столице страны, городе Веллингтоне, открылся экспериментальный продмаг. Именно туда свозятся мучные изделия, мясо, рыба, фрукты, овощи, консервы и даже сладости, срок годности которых скоро истекает. Экспериментальность супермаркета в том, что все продукты можно брать с полок совершенно бесплатно.

Как сообщает сайт SMI2, инициатором затеи с бесплатным магазином стала художница Ким Патон. Ее небольшой проект несет сразу две функции. С одной стороны, он имеет ярко выраженную социальную направленность – открывает доступ к бесплатной еде тем жителям Веллингтона, которые по каким-то причинам живут впроголодь. С другой – помогает магазинам сэкономить на будущей утилизации товаров, срок годности которых подходит к концу. Экосексуалы видят в начинании Ким еще и третью функцию – уменьшение количества отходов, которые (пусть и не в полном объеме) окажутся в окружающей среде.

По словам Ким, идею с супермаркетом, через который распространялись бы продукты с истекающим сроком годности, поддержали веллингтонские предприниматели, что ее основательно удивило. В планах благотворительницы – сотрудничать с ресторанами, садоводческими хозяйствами и другими структурами, которые так или иначе имеют дело со скоропортящимися продуктами.

Видимо, гуманное отношение к еде в Новой Зеландии вызвано значительной географической отдаленностью этой страны. Во всем остальном мире с продуктами с истекающим сроком годности поступают по принципу «Так не доставайся же ты никому!». Так, например, делает крупнейшая в мире сеть закусочных, отправляющая булочки, пролежавшие на складе сверх регламента, в мусорный бак. Но в случае с новозеландским проектом здравый смысл все-таки побеждает жлобство. Пусть даже это происходит в маленькой стране на краю света.

Статья с сайта E-xecutive.ru

О фестивале…>>
Об участниках (видео)…>>

Ян Бедерман на фестивале "Простодушие", фото В. Шевченко

7 апреля 2010 года в московском клубе «Китайский лётчик Джао Да» прозвучал, протанцевал и, надеемся, долгим отзвуком отозвался в сердцах пришедших, наш I благотворительный фестиваль «ПРОСТОДУШИЕ». В нём приняли участие более 30 музыкантов и около десятка актёров театра. Действие длилось 6 часов.

По словам певицы и музыканта Рады Анчевской из группы «Рада & Терновник», организатор и ведущая фестиваля Стася Дёмина «удивительно искренне и непафосно говорила на темы, в обсуждении которых обычно сваливаются либо в глупости, либо в неуместную патетику». А говорила она на такие масштабные и многомерные темы, как смерть, болезнь, искусство, душа, любовь, затрагивая и раскрывая понятия хосписа, честности, смелости, простодушия и великодушия.

Собственно, фестиваль, который станет ежегодным, был назван «ПРОСТОДУШИЕ» по удивительной способности людей воспринимать и реагировать с легкой и мудрой улыбкой на невзгоды и напасти. Ведь «простой» – не значит «глупый» или «недалекий». Это слово происходит от праславянской формы pro-stъ, от которой произошли слова «прямой, открытый, свободный». Так что «ПРОСТОДУШИЕ» – это фестиваль, который объединяет всех людей в следовании простым изначальным истинам – Любви, Великодушии и Внимании друг к другу.

Рада Анчевская на фестивале "Простодушие", фото В. Окнянский

Мы выражаем искреннюю благодарность всем участникам фестиваля и всем, кто имел к нему отношение:
- клубу «Китайский лётчик Джао Да» и лично Ирине Борисовне Паперной, Татьяне Ядрышниковой и звукорежиссеру Дмитрию за помощь, поддержку, глобальное понимание, терпение, теплую атмосферу и прекрасную организацию;
- фотографам Алексею и Анастасии Юллинен, Виктору Окнянскому и Виктору Шевченко за удивительно красивые снимки;
- Алексею Самойлову – предводителю клуба «Антилир» и талантливому писателю за идеи и помощь в организации фестиваля,
- всем дорогим гостям фестиваля
- и конечно, музыкантам:

• Ирина Вылегжаниной, Светлане Микляевой, Ивану Субботкину и Артёму Валентинову из струнного квартета «Венеция» за тонкую красоту,
• Саше Висте за романтизм, интеллигентность и любовь в песнях,
• Ирине Савиной и Ольге Егоровой из группы «Зеленая лиса» за квинтэссенцию чистой радости,
• Олегу Медведеву и Антону Спартакову из группы «Present Perfect Band» за тёплый блюзовый драйв,
• театру «Varkalos» и его руководителю Маше Рашевой за самоотверженное и прекрасное взаимодействие Добра со Злом,
• Раде Анчевской, Владимиру Анчевскому и Владимиру Кислякову из группы «Рада & Терновник» за мистический настрой и пронзительную связь с нашими корнями и небом,
• Яну Бедерману, Джону Кукарямбе и Александру Allis Алёхину из «Оркестра интуитивной музыки» за непостижимый музыкальный космос и всегда неожиданные вибрации,
• Денису Устюжанину, Сергею Городжию и Сергею Геокчаеву из группы «Середина» за красоту, нежность и стройность в музыке,
• Татьяне Речной, Бамбувею и Андрею Жилину с Юрием Сухановским из дуэта «Гораций и Ветер» («Театр У») за этнический флейтовый драйв и сказки,
• Инне Тудаковой за роскошное исполнение роскошных песен и подъём нашей энергии на новый градус,
• Ивану Смирнову, Михаилу Смирнову и Ивану Смирнову-младшему за высочайшее мастерство и упоительно-душевное завершение фестиваля!

Все средства, собранные на фестивале,
пойдут на осуществление нашего проекта «Арт-Лахта»
для петербургского хосписа №1.

Отчет о собранных средствах:

От входа в клуб – 20 600 р.
От самого клуба «Китайский лётчик Джао Да» – 1000 р.
Катя Зенович и Саша Губанов – 5000 р.
Ранее собрано – 5450 р.
ИТОГО: 32050 р.

Рада Анчевская и зрители, мультифотография В. Окнянского

Проект «Арт-Лахта» – это выставка современной живописи в стенах хосписа, которая, мы надеемся, сможет оказать серьезную психологическую и душевную поддержку как его пациентам, так и персоналу.

Доктор Андрей Владимирович Гнездилов по опыту знает, что душа пациентов хосписа невероятно развивается в их последние дни земной жизни. «Она словно пробуждается – слышит музыку Баха и чувствует ее, видит и глубоко понимает картины. Я бы вообще музейные запасники передал в больницы», – говорит доктор Гнездилов, – «где люди смогут оценить искусство. Ведь картины обладают огромной силой для поддержки и раскрытия другого взгляда. А настоящее искусство нуждается в тех, кто может его оценить».

Ну а пока музеи думают, мы в июне месяце осуществим наш проект «Арт-Лахта», повесив в стенах нового здания хосписа несколько десятков работ современной живописи. И мы очень надеемся, что эти прекрасные полотна будут  скрашивать одиночество, страх, растерянность и боль…

Благотворительный фестиваль «Простодушие» 07/04/2010. Фото:

Благотворительный фестиваль «Простодушие» 07/04/2010. Фото: Виктор Шевченко

Благотворительный фестиваль «Простодушие» 07/04/2010. Фото: Анастасия Сенчукова

Благотворительный фестиваль «Простодушие» 07/04/2010. Фото: Алексей Скирдов

О фестивале…>>
Об участниках (видео)…>>

СТАСЯ ДЁМИНА

Редко, когда название альбома так полно отражает атмосферу, царящую в зале на его презентации –  квинтэссенция чистой радости, прекрасный мир. Но именно это и случилось в московском джаз-клубе «Союз Композиторов» 6 марта на презентации альбома «What a Wonderful World» коллектива «The Trombone Show» Максима Пиганова.

Зал джаз-клуба «Союз Композиторов» был полон, а за одним из столиков была замечена джазовая певица Таис Урумидис, пришедшая поддержать своих друзей. Известные джазовые музыканты Рашид Кулеев, Сергей Серов, Дмитрий Толпегов, Евгений Гречищев, Сергей Проскурин и Федор Андреев исполняли шедевры джазовой классики в аранжировках лидера ансамбля Максима Пиганова. Звучали хорошо знакомые вещи Дюка Эллингтона (Duke Ellington), Луи Армстронга (Louis Armstrong) и даже композиция «Don`t explane» Билли Холлидей (Billie Holiday), так блистательно-трагично исполненная когда-то Ниной Симон (Nina Simone).

Но оркестр на сцене удивлял не только отточенным исполнением пьес и сочными аранжировками, но и тем, как музыканты общались между собой, как шутили и приветствовали публику, как чувствовали и поддерживали друг друга во время соло, какими обменивались взглядами, производя впечатление единого многорукого существа и создавая настоящее шоу.

Plunger

И эти гармония и радость заражали зрителей – ну как не улыбнуться, когда «великолепная четверка» с таким кокетством поводит планжерами (по-русски – вантузами), доставая из чрева своих инструментов новые звуки.

И я улыбалась и вспоминала название радиопрограммы Максима Пиганова и Алексея Колосова «Когда не хватает джаза», потому что было такое чувство, что этим концертом во мне восполнился какой-то очень важный пробел в ощущениях. А когда в завершении концерта прозвучала композиция Армстронга «What a Wonderful World», в которой Максим Пиганов виртуозной игрой на тромбоне сымитировал голос великого джазмена – мир, действительно, стал прекраснее.

Максим Пиганов

Максим Пиганов – ведущий российский джазовый тромбонист, уроженец Калининграда, лидер ансамбля «Тромбон-шоу». Является солистом Государственного камерного оркестра джазовой музыки им. О.Лундстрема. Также, преподаватель по классу тромбона в Российской академии музыки им. Гнесиных. Участник многих музыкальных проектов (в т.ч. Ансамбля классического джаза п/у Валерия Киселева, «Капелла Дикси» п/у Льва Лебедева, и мн. др.).

С 1999 по 2001 гг. жил и работал в США, играл с оркестрами им. Глена Миллера, Томми Дорси, Лэса Брауна, Вудди Германа. В течение семи лет являлся солистом оркестра Игоря Бутмана. Участвовал во всех знаковых проектах этого коллектива, включая выступления в Линкольн Центре (Нью-Йорк) совместно с оркестром Уинтона Марсалеса в 2003 году.

Играл с такими музыкантами как: Рэнди Бреккер, Фрэнк Фостер, Тэд Кюрстон, Туттс Тиллеманс, Билли Компбэм, Диди Бриджевотер, Джордж Дюк, Кэвин Махогани, Уинтон Марсалес, Джеф Хэмилтон, Джо Ловано, Валерий Понмарев, Эл Джарро, Джордж Бэнсон и мн. др. Часто выступает на многочисленных джазовых фестивалях в России и за рубежом.

Подробнее о коллективе и исполнителях на сайте «The Trombone Show» Максима Пиганова.

СТАСЯ ДЁМИНА

Фото: Александр Белокуров

3 марта случилось прекрасное – с большим успехом прошёл концерт «Кабаре Людмилы Петрушевской» в Доме Музыки. А по силе воздействия на будущих промоутеров концерт в Доме Музыки – почти как неожиданное появление ППШ в руках старушки из песни, исполняемой Людмилой Стефановной. В сущности, именно этого эффекта и добивались организаторы концерта в лице Александра Почукаева и руководство Дома Музыки в лице Наталья Фадеевой.

Изящная маленькая Петрушевская на сцене поёт, читает свои стихи, язвит, показывает мультфильмы по собственным рисункам и рассказывает истории из жизни. Порой ирония насколько тонка, что публике требуется дополнительное время, чтобы переварить информацию, но потом она неизменно взрывается аплодисментами. Петрушевская так вкусно проговаривает слова в стихах, что они будто обретают лёгкую плоть, чего стоит одно только «Вот – каное. Оно – какое?». Квартет «Керосин» образует прекрасную связку с солисткой, где надо, поддавая жару, где надо, вежливо отходя на второй план.

Надо сказать, в этом проекте Петрушевской хватает всего, даже публики и прессы, способных уловить в её исполнении иронию и ребяческую нежность. Жаль только, что сегодня почти никто из пишущих о ней не в силах оторвать Петрушевскую-писателя и драматурга от Петрушевской-певицы. Жаль, потому что Людмила Стефановна вполне самодостаточна и в этом амплуа, о чем говорит органичный песенный материал, неподражаемое интонирование с джазовыми «расщеплениями», томным субтоном, реверберациями и конечно, артистизм.

Вообще, удивительный мир складывается вокруг Петрушевской на сцене. Как певица она по-хорошему бесстрастна. Она вроде и не кокетничает, но за нее это с успехом делают её шляпы, перстни, перья и туфельки. Она не страдает, но так качает головой, ёжится и говорит, что «не привыкай ко мне» от любимого – это страшные слова, что глаза вдруг застит влажная пелена. Она на сцене в чёрном концертном костюме, но рядом с ней вешалка с игривыми шляпами и цветастая чашка на стуле. И тут понимаешь, что так и должно быть. Никакой нарочитости, вокруг поёт и играет само пространство, как старинный патефон заведённое одним взмахом её руки.

От организатора

Александр Почукаев: «Людмила Петрушевская – одна из умнейших российских женщин, составляющих национальное достояние России. Ее вклад в отечественную и мировую культуру огромен, обаяние сумадшедшее, острота ума и тонкий юмор загонят вас «за можай» и вы будете мечтать обладать такими качествами, но вам не хватит жизни.

Людмила Петрушевская не боится роли исполнительницы «кабаре», бог наделил ее необыкновенной гармонией духа воплощения и перевоплощения. Она будто открывает шлюзы настоящей исполнительской культуры. Она поет не забавы ради, не оперным «способом» добывания нужных нот и звуков, а новым открытием жанра, с использованием собственных текстов и проникновенным исполнением своих трактовок мировых хитов XX века и нынешнего столетия, возрождая жанр «кабаре».

СТАСЯ ДЁМИНА

Писать детские стихи, которые бы вызывали равный восторг у детей и взрослых – большой дар. И таким восхитительным даром обладал легендарный британский комик, поэт, художник, сценарист и композитор СПАЙК МИЛЛИГАН. Шутки Миллигана напоминают логику «Алисы в стране чудес», и уже классикой английского юмора стали многие его изречения, типа: «Мы не можем слоняться без всякого дела, а то люди примут нас за рабочих» или «Я говорю на эсперанто так чисто, словно там родился».

Спайк Миллиган прожил долгую жизнь, но, увы, 27 февраля 2002 года с нами остались только его чудесные произведения, а сам автор ушел… уверена, за «грюшами».

Грюши

Вы когда-нибудь
Ели грюши?
Нет, не груши,
А именно грюши?
Это истинный деликатес!
Грюши с виду
Длиннее и уже,
Но не хуже,
Чем груши дюшес.
Тот, кто кюшал когда-нибудь
Грюши,
Никогда не забудет
Их вкюс.
Я поставлю пятерку им
С плюсом
И добавлю
Еще один плюс!
Эти грюши
Выращивать трюдно,
Нужен тонкий
И тщательный
Трюд.
Но зато
Удивительно людно
На базарах,
Где их продают.

СПАЙК МИЛЛИГАН (SPIKE MILLIGAN – настоящее имя Теренс Алан Патрик Шон Миллиган) - родился в 1918 году в Индии, в семье военнослужащего, учился в монастырских школах в Пуне и Рангуне, а затем в Лондонском политехническом институте. Был на войне артиллеристом, воевал в Алжире и в Тунисе (вот откуда меткость!). Написал множество радио-, теле- и киносценариев, пьес, юмористических книг для детей и взрослых. Особенно известны : «Мусорный ящик» (“Dustbin of Milligan”, 1961), «Книжка из кусочков», (“A Book of Bits”, 1965), «Читайте меня перед сном» (“A Bedside Milligan”, 1968), «Адольф Гитлер и моя роль в его разгроме» (“Adolf Hitler, my Part in His Downfall”, 1971), «Ковчег Миллигана» (“Milligan’s Ark”, 1971), сборники «Глупые стихи для детей» (“Silly Verse for Kids”, 1963), «Миллиганские зверята» (“Milliganimals”, 1968) и «Неотжатые носочки из цыплячьей постирушки» (“Unspun Socks from a Chicken’s Laundry”. London, Puffin Books, 1981).

Миллиган — большой любитель «немного пошалить», изобретательность его неистощима, она выплескивается даже на обложки книг: он всё — пародист, эксцентрик, анархист, мистификатор.

Геройские стихи у двери в зубной кабинет

Отмщенье, отмщенье — зубным докторам!
И нет им прощения в мире!
Их длинным иголкам, их гнутым щипцам,
Их гнусным «откройте пошире»!

Их пыточным креслам, их жутким речам
О кариесе и пульпите!
Отмщенье, отмщенье — зубным палачам
С их подлым «чуть-чуть потерпите»!

Их сверлам, жужжащим, как злая оса,
От бешеного вращенья,
Их ваткам, их лампам, слепящим глаза, —
Отмщенье, отмщенье, отмщенье!

«Стихи, основанные на каламбуре, на игре, переводить «в лоб» невозможно, – пишет переводчик стихов Миллигана Григорий Кружков, – Я воспринял фантазии Миллигана как приглашение к барьеру, точнее (учитывая расстояние между языками и культурами) — к артиллерийской дуэли. Он в меня треуголкой, я в него ушанкой, он в меня Блейком, я в него Пушкиным… Победить, конечно, не удалось, но отстреливался я до последнего«.

Ошибка

В пустыне, чахлой и скупой,
На почве, зноем раскалённой,
Лев, проходя на водопой,
Съел по ошибке почтальона.

И чтоже? Он теперь грустит,
Грустит, несчастный, и скучает:
Хотя он очень-очень сыт,
Но писем он не получает.

ЮЛИЯ ЧАРОВА и ГЕКСОН НАТОВ

Мы — источник веселья и скорби рудник.
Мы — вместилище скверны и чистый родник.
Человек, словно в зеркале мир, — многолик.
Он ничтожен — и он же безмерно велик!
Омар Хайям

Трансперсональный уровень развития – это новый уровень осознания себя, но уже не безликим винтиком, и не самодовлеющей индивидуальностью, а деятельным проводником Духа, сотворцом симфонии мироздания. Тенденция к обособлению себя, к отделению от общества, доминирующая на индивидуалистическом уровне, уступает место процессу открытия себя для нисхождения космической энергии; стремление к независимости — чувству сопричастности и взаимосвязи всего живого.

«Трансперсональный путь ведет к «божественному Союзу», соединению Сына Человеческого с Сыном Божьим; слово Бог здесь только для вызова невыразимой реальности трансчеловеческого и божественного состояния бытия»
Дэйн Радьяр

Шри Ауробиндо

Прорыв происходит иногда совершенно внезапно. Еще вчера во всем успешный индивидуал, держащий все под контролем вдруг отказывается от всех своих достижений, чтобы продолжить свою деятельность в каком-то совершенно неожиданном качестве. Шри Ауробиндо был самым ненавистным для англичан индийским националистом-повстанцем, но во время суда он испытал прозрение: «Я посмотрел на судью – это был Васудева, это был Нараяна, сидевший в суде. Я посмотрел на прокурора и увидел не прокурора – это был Шри Кришна, который сидел и улыбался», – и после оправдательного приговора удалился в Пондишери для уединенных духовных исследований. Именно арест, имитация казни и ссылка сделали Достоевского таким, каким мы его знаем. Можно также вспомнить легенду об отречении Александра I и преображении его в старца Федора Кузьмича, позднее канонизированного православной Церковью.

Терри Фокс

Еще один пример прорыва на трансперсональный уровень – история совершенно обычного канадского паренька Терри Фокса. Он не успел получить образование, когда у него обнаружили рак кости и ампутировали ногу выше колена. Во время лечения он проникся сопереживанием к другим раковым больным и решил посвятить себя борьбе с раком. Единственное, что он мог сделать в своем состоянии, это привлечь внимание общества к проблемам онкологических больных. С ампутированной ногой, на протезе, он пробегал ежедневные марафоны из города в город, выступая с призывами о пожертвованиях на исследования рака. Он скончался раньше, чем завершил намеченный маршрут, но сумел собрать значительную сумму – по одному доллару с каждого жителя Канады – и вызвать волну благотворительных пробегов, названных его именем, которые проводятся ежегодно во многих странах мира.

Но, говоря о трансперсональном уровне, следует помнить: не все то золото, что блестит. Спросите иного «борца» за права животных, чем он руководствуется в своих поступках, и не удивляйтесь, если услышите, что-де четвероногие твари беззащитны и искренни, а человек – мерзавец, дрянь, пьяница и, с позволения сказать, ворует… Или же понаблюдайте, как какой-нибудь общественный деятель готов переломать ноги всякому, кто встанет на пути его «великой миссии». С трансперсональным уровнем это не имеет ничего общего, перед вами просто яркие индивидуалы, проявляющие свою индивидуальность таким способом.

«Принимая средства за цель, люди разочаровываются в себе и других, в силу чего из всей их деятельности ничего не выходит или выходит обратное тому, к чему они стремились»
Иоганн Гете

Трансперсональный путь – это не слепое служение и самоотречение во имя великих целей. Это состояние целостного восприятия своего «я» как весомой частицы мироздания, осознающей и принимающей равновесные законы вселенной как свои личные. Для наглядности приведем одну притчу:

«Во времена великой засухи сердобольный крестьянин принес кувшин воды отшельнику, обитавшему в пещере в непрестанной молитве за других. Тот с благодарностью принял воду, но не стал ее пить, хотя почти умирал от жажды. Когда крестьянин удалился, затворник вышел на свет и вылил воду на растрескавшуюся, выжженную солнцем землю, а затем возблагодарил Господа за его милость. Вода испарилась и поднялась к небесам, слившись с облаком, которому не хватало всего нескольких капель, чтобы стать тучей. Отяжелев, оно пролилось дождем и напоило всю землю».

Эта история хорошо иллюстрирует человека, находящегося на трансперсональном уровне. Вся его жизнь — творчество, оно не ограничено лишь созданием «культурных форм», но каждое его действие (или бездействие!) происходит в гармонии с ритмами Вселенной, и дает импульс к развитию множества других людей.

Отличие от социокультурного и индивидуалистического уровней здесь кардинальное. Если социокультурный человек бессознательно подчинен обществу, автоматически играя в его игры, а индивидуал осознает себя отдельным целым, выделяя, а возможно и противопоставляя себя обществу, то трансперсонал осознает себя (одновременно!) и как отдельную цельную личность, и как неотъемлемую часть более крупных «целых» – народа, человечества, Природы, Космоса, уже без необходимости противопоставления. В разделении уже нет необходимости, фаза индивидуального развития завершена, и он осознает, что все живые существа — едины, все проникнуты единым Духом.

«Где Дух не водит рукой художника, там нет искусства»
Леонардо да Винчи

Хорошим примером творчества на грани индивидуалистического и трансперсонального является групповое действие, не связанное с искусством – Восстание Декабристов. «Узок круг этих революционеров. Страшно далеки они от народа», – очень точно подметил «классик марксизма». Это определение хорошо подчеркивает статус декабристов как людей весьма продвинутых на индивидуалистическом уровне. Они явились выразителями и трансляторами мощного потока энергии трансформации общества в целом (а в основном – пребывавшей на жестком нижнем социокультурном уровне крестьянской массы) на индивидуалистический уровень. Сам мятеж был обречен — трансформация общества не происходит в одночасье, инерция среды слишком велика, но «их дело не пропало» – декабристы «разбудили» не только Герцена. Сошествие духа, начатое их революционным действием, вылилось в настоящий «перформанс», породив лавину творческих прорывов у огромного количества людей, а затем и медленное и постепенное осознание новой реальности все новыми слоями людей. И этот процесс не завешен до сих пор.

Общество тоже живой организм и также представляет собой открытую структуру, как человек, животное или растение; оно точно так же рождается, развивается, и умирает. Если были бы правы социал-дарвинисты, утверждающие, что эволюция – лишь случайный поиск равновесного состояния перед лицом внешних угроз – человечество никогда не вышло бы из первобытно-общинного строя, ибо уже тогда оно было вполне способно себя прокормить. Развитие общества, как и развитие индивидуума, есть проявление творчества, переводящего количественные изменения в качественные. Понятия «творчество» и «эволюция» – эквивалентны в исторической перспективе.

«Живые организмы обладают присущей им потенциальной способностью выходить за собственные рамки, чтобы создавать новые структуры и новые модели поведения. Это творческое стремление к новому, которое своевременно приводит к упорядоченному развитию сложности, похоже, является фундаментальным качеством жизни, основным свойством Вселенной, которое не поддается – по крайней мере в настоящее время – дальнейшему объяснению».
Фритьоф Капра

Переход общества в целом на новый уровень развития не означает, что в одинаковой мере «взрослеют» и все его члены. В любой, даже самой высокоразвитой среде найдется ниша для стаи бродяг-попрошаек или мелких криминальных группировок, живущих по «законам джунглей» с жесткой иерархией и круговой порукой, в которых личностями позволено быть лишь верхушке, а остальным отводится роль винтиков.. Особенно это справедливо для современного общества, где размыты сословные границы, и все социальные слои перемешаны. Так называемый «блатной шансон» у кого-то может вызывать кривую ухмылку, но следует понимать, что этот «творческий продукт» вполне адекватен тому уровню, на котором он был создан, и что для определенной категории людей подобное творчество, возможно, уже является прорывом. Как сказал индийский мыслитель-гуманист Вивекананда Свами: «Каждый человек велик на своем месте».

В этой связи нельзя не упомянуть об «идеальном обществе», которое было построено в Древней Индии по принципу разделения людей на социальные группы (варны) в соответствии с уровнем их развития, что подробно описано в Ведах. Варн существовало как раз четыре: шудры (слуги, биологический уровень), вайшьи (рабочие и торговцы, социально-культурный), кшатрии (воины и правители, индивидуалистический) и брахманы (духовенство, трансперсональный). Конечно, вряд ли можно всерьез говорить о том, что все без исключения брахманы в реальности достигали трансперсонального уровня, но история свидетельствует, что, по крайней мере, в какие-то периоды таких людей среди них было немало. От брахманов в первую очередь требовалось именно искать сошествия Божественного Духа, непосредственно руководившего всеми их действиями.

«Личность, реализовавшая Бога-в-себе, не рассуждает о Божественности Бога. Само ее присутствие выявляет присутствие Бога во всех существах, какова бы ни была ее религия или религия тех, в чьем присутствии посвященный заряжает атмосферу реальностью Бога».
Инаят Хан Хидаят

Путь перехода с одного уровня на другой всегда труден и извилист. Нередко возникает такой феномен: прорыв человека на следующий уровень воспринимается окружением как деградация… Об этом, а также о пограничных состояниях на переходах между уровнями мы поговорим в следующей, заключительной статье.